Se il termine post rock non significasse tutt’altro, sarebbe perfetto per la musica frammentata e futuristica dei Polyphia. Sono in quattro, fanno musica sostanzialmente strumentale, usano la chitarra elettrica in un modo che manda fuori di testa gli shredder della vecchia scuola. Tim Henson e Scott LePage spingono sempre più in là i confini della tecnica chitarristica, ma non hanno grande interesse per il rock tradizioneale. Sono invece ossessionati dall’idea di portare influenze provenienti da pop, EDM, hip hop e colonne sonore di videogiochi nel contesto di una live band che suona in modo feroce e travolgente. Steve Vai, shredder vecchia scuola per antonomasia, ha reso loro omaggio partecipando come ospite al loro album del 2022 Remember That You Will Die. Mike Dean, storico produttore di Kanye West, è uno dei loro eroi, nonché un loro fan. Nel 2024 ha voluto Henson e LePage in apertura di una delle sue rare esibizioni dal vivo.
Il nuovo album della band si intitola Be Not Afraid ed è come sempre eccentrico, ma contiene anche alcuni dei brani più heavy della loro carriera, con riferimenti al metal più espliciti del solito. Abbiamo parlato con Henson e LePage su Zoom del disco, delle loro influenze e di come riescano a far suonare la loro sezione ritmica – il bassista Clay Gober e il batterista Clay Aeschliman, già, si chiamano entrambi Clay – come se fosse composta da non umani. Hanno detto la loro anche sull’ascesa degli Angine de la Poitrine.
Tim è stato molto avanti nell’abbandonare i classici amplificatori a valvole per passare ai modelli digitali. Lo hai fatto anche tu, Scott?
Scott LePage: Sì. Si iniziava a parlare di digitalizzazione degli ampli quando eravamo ragazzini e a noi non sembrava vero di poter comprare un solo apparecchio e non doverci portare dietro un sacco di altra roba enorme, pesante e soprattutto costosa. A 16 anni non se ne parlava proprio di avere tanti ampli, avere una versione virtuale di tutte quelle cose era una figata.
Avete provato a usare un amplificatore vero in studio per questo album?
LePage: Una volta abbiamo provato a ri-amplificare il suono usandone uno vero, ma ci sembrava che suonasse peggio. Era un amplificatore qualsiasi, uno di quelli che il tizio aveva nel suo studio.
Tim Henson: Tutto quello che si sente sul disco è esattamente come è stato registrato in studio, dove abbiamo ottenuto la magia e il carattere di quel particolare suono. Quando abbiamo provato a ri-amplificarlo, la magia è sparita.
Come mai avete fatto passare tanto tempo dal vostro ultimo album?
Henson: Abbiamo passato tutto il 2022 e il 2023 in giro a suonare e abbiamo lavorato ai demo tra un tour e l’altro. Il pezzo che apre il disco, Let There Be Light, è anche il primo che abbiamo iniziato a scrivere per questo album, verso la fine del 2023, inizio 2024. Ci sono voluti un sacco di demo prima di arrivare al suono del disco. Una volta capito quale direzione volevamo prendere, abbiamo smesso di andare in tour per dedicarci completamente al lavoro. Il disco prima di Remember That You Will Die era New Levels, che è uscito nel 2018. Stiamo cercando di abituare i fan all’idea che pubblicheremo musica non prima di ogni quattro anni. Speriamo di arrivare a cinque, magari a dodici come i Tool. Dateci il tempo di fare le cose.
LePage: E poi devi stare in tour per almeno due anni. In passato abbiamo anche scritto un album mentre eravamo in giro, ma è una faticaccia. Prenderci una pausa nel 2025 per fare il disco è stata la scelta migliore, ci ha dato modo ci concentrarci sul lavoro. Naturalmente avevamo già i demo e un’idea di come sarebbe stato il disco, ma gran parte di quello che sentite è stato realizzato l’anno scorso.
Let There Be Light è un pezzo heavy e tutto il disco è più cupo e aggressivo del solito. Quali possibilità vi ha aperto quella canzone?
Henson: Let There Be Light è un’evoluzione di G.O.A.T. del 2018, declinata in uno stile più pesante, mentre Fear God è un po’ l’equivalente di Ego Death del 2022, ma gli altri dieci pezzi del disco non li paragonerei a niente di quello che abbiamo fatto finora. Il piano era usare Let There Be Light come singolo di lancio e costruirci attorno un album, poi però sono venute fuori cose cose talmente diverse che ci siamo detti che non poteva più essere il primo singolo.
In quale momento del processo entrano in gioco il batterista e il bassista?
Henson: Verso la fine. Tipo: ecco il demo, suonatelo come lo suonereste dal vivo. La cosa che mi fa più ridere è che qualcuno ci critica dicendo che non sembra che abbiamo una batteria vera. Tutto quello che sentite è suonato da esseri umani. È la bellezza del sound design. Abbiamo uno dei migliori batteristi e uno dei migliori bassisti al mondo. È ovvio che vogliamo sfruttarli al massimo delle loro possibilità. La bellezza di questo disco sta proprio nel fatto che è stato realizzato da esseri umani, ma non suona affatto come musica che degli esseri umani potrebbero suonare.
Quando fai i demo, che cosa usi per programmare le ritmiche?
Henson: Campionamenti.
Sul serio?
Henson: Sì, poi copio e incollo un milione di hi-hat uno dopo l’altro. L’obiettivo è tirare fuori un’idea il più rapidamente possibile, in modo che possano nascerne altre e si possa mantenere lo slancio creativo. È così che sono nati pezzi come Can You Feel It e With Eyes to See, anche nell’arco di una sola giornata. Appena l’idea viene fuori, ci diciamo: ok, questa spacca, passiamo a quella dopo.
Can You Feel It è un po’ la vostra versione dei Disclosure: house dal vivo suonata come metal. Qual era l’idea?
Henson: Conosci Satisfaction di Benny Benassi? Ci sono riff incredibili in quei pezzi dance iconici degli anni ’90 e 2000. Volevo catturare quel feeling. Credo che il mio primo approccio alla house sia passato da Kanye, che prende un campionamento anche gospel e lo trasforma in house, continuando a ripetere lo stesso frammento. L’idea era riprendere il suo modo di lavorare, ma suonando il pezzo con l’energia di un gruppo metal. La canzone, e la cosa vale per gran parte dell’album, non è incentrata sulla complessità tecnica. Abbiamo un’intera discografia di performance tecnicamente folli, ma abbiamo voluto concentrarci sulla melodia, sul groove, sulle atmosfere.
Come scrivete voi due? Separatamente o insieme?
LePage: Ti confesso che per gran parte del 2023 e del 2024 ho cominciato a provare diversi tipi di whisky. Non lo consiglio a nessuno, ma molti dei demo che sono finiti su questo disco sono nati perché ero al quinto bicchiere di whisky e mi chiedevo «come posso rendere questa cosa interessante?» oppure «che cosa succede se sviluppo questa idea andando in questa direzione?». Ovviamente Tim ha portato un sacco di idee che poi abbiamo usato. In sostanza, io e lui lavoriamo per conto nostro, siamo sempre alle prese con qualcosa, e poi ce lo scambiamo: «Ok, fratello, fammi sentire quello che hai combinato questo mese». È così che comincia a prendere forma il disco. Poi la maggior parte del lavoro nasce dallo slancio che acquisiamo durante le session, che durano tre settimane alla volta: restiamo nella stessa stanza lavorando su tutte queste idee e lasciando che ci si influenzi a vicenda. Una volta ho usato questa analogia per spiegare il processo: immagina di lanciare una palla contro il muro di una stanza molto grande. La palla rimbalza sulla parete e finisce sul pavimento. Se invece ti trovi in una stanza piccola a forma di cubo, la palla comincia a rimbalzare dappertutto. Le pareti sono le nostre menti e la palla è l’idea. Rispetto a tutti gli altri dischi, questo ha una caratteristica in più: la velocità con cui abbiamo tirato fuori le idee.
Henson: La cosa buffa è che la maggior parte dei demo che ho portato non è finita nel disco. A me piacciono, sono molto Polyphia classici ed è proprio per questo che non sono entrati nell’album. Buona parte dei miei contributi è nata sul momento, semplicemente seguendo il groove mentre andava la base, facendo finta di essere Ye e canticchiando una melodia che poi ho trasferito sulla chitarra.
LePage: Raccontagli della hook zone.
Henson: Nella stanza di Scott, dietro la sua scrivania, c’è uno spazio in cui si può entrare. Mettevamo una base e io andavo a mettermi lì, nella hook zone. Non stavo fermo, camminavo avanti e indietro. Tutti gli hook di questo disco sono stati scritti lì. Parti da una semplice idea melodica canticchiata e a un certo punto pensi: questa spacca di brutto, so che spacca perché funziona alla grande anche se la sto cantando malissimo, immagina come potrebbe suonare su una chitarra, sarebbe una figata.
Da dove arriva il riff martellante, che esplode in Mark of the Beast circa al minuto 1:04?
LePage: È una cosa che ho sentito su TikTok o da qualche altra parte, e ho pensato che doveva assolutamente sentire come sarebbe stato con le chitarre. Ti faccio un altro esempio. C’è una canzone di Charli XCX e nella versione con Billie Eilish c’è un passaggio in cui parte un ritmo in quattro quarti che ti fa venire voglia di muovere la testa. Ho pensato che era roba che spaccava. E subito dopo mi sono detto: immagina una chitarra alla Meshuggah che segue quei quarti. Credo che il mio modo di ragionare su queste cose derivi anche dal fatto che i Meshuggah hanno fatto una cover di una canzone dei Rammstein, Benzin, trasformandola in un remix. L’originale dei Rammstein non ha assolutamente niente a che vedere con quella versione. Non avrei mai immaginato che potesse venirne fuori una cosa del genere. In realtà i Meshuggah hanno semplicemente scritto una canzone influenzata da quella dei Rammstein e la cosa mi piace da morire perché adesso al mondo esistono due cose che mi piacciono, anziché una sola. Prendere qualcosa che sento e chiedermi «come lo rielaborerebbe la mia testa?» è proprio quello che è successo con Mark of the Beast, in particolare in quel passaggio.
E che cosa avevi sentito su TikTok?
LePage: Una base con sopra un rapper o qualcosa del genere.
Quindi una parte fondamentale del vostro processo consiste nell’ascoltare musica di ogni genere e immaginare come potrebbe suonare fatta con le vostre chitarre fuori di testa…
Henson: La domanda che ci facciamo sempre è: questa cosa è una figata, ma cosa succederebbe se diventasse quest’altra cosa? È così che si arriva a un disco come Be Not Afraid, lasciandosi trasportare da quell’entusiasmo, quel «sì, questa cosa spacca di brutto, facciamola». E poi, una volta fatta, pensiamo: «Ok, è una figata, ma cosa succederebbe se diventasse quest’altra cosa?». È un circolo di idee e reazioni che continua ad alimentarsi, finché non arriva il momento in cui dici: ok, la canzone è finita, via con la prossima.
Scott, Fear God è nata da uno dei tuoi demo?
LePage: È una di quelle nate dopo il quinto whisky. Non volevo seguire una progressione di accordi prevedibile, quella che avrei scelto normalmente, così ho cercato di fare una cosa diversa. Per qualche ragione non riesco mai a portare a termine un’idea. Tim può confermarlo: la quarta sezione di qualsiasi cosa scriva di solito è senza chitarre. Quando gli passo queste idee, di solito lui dice: «È un’ottima idea, fammela completare». Quella parte alla fine, con le chitarre in tremolo e tutto il resto, è nata durante una session a Miami, in un Airbnb. Tim è entrato nella stanza dicendo: «Ehi, ma che cazzo è questa roba?». E io: «Oh, niente, stavo semplicemente smanettando con una cosa».
Com’è che il tema di Dio e del diavolo è presente un po’ in tutto il disco?
Henson: Lascia che ti spieghi il contesto in cui abbiamo realizzato l’album. Abbiamo modellato le session su quelle di My Beautiful Dark Twisted Fantasy di Kanye, quando faceva volare tutti alle Hawaii. Li costringeva a indossare abiti eleganti per andare in studio. Appendeva alle pareti un elenco di regole: niente Twitter, niente questo, niente quello. Trasformava lo studio in uno spazio quasi sacro. Faceva alzare tutti alla stessa ora, mangiare alla stessa ora, allenarsi alla stessa ora e poi lavorare tutti insieme, negli stessi orari. È così che abbiamo organizzato le nostre session. Abbiamo lavorato a Miami, a Los Angeles e poi abbiamo fatto un sacco di session in Texas, alcune settimane alla volta. La cosa bella di questo metodo è che finisci per entrare in una sintonia profonda con gli altri. Durante le session si è parlato anche dei dettagli più crudi e raccapriccianti di una serie di cose orribili emerse quest’anno, sai, in quei file. Scopri quei particolari, uno più agghiacciante dell’altro, e provi un senso di disgusto e di rabbia difficilissimo da indirizzare. Ti chiedi: «Ma noi, come specie umana, che cazzo stiamo facendo? Perché nessuno fa niente?». Noi possiamo fare solo musica e canzoni, ma adesso c’è un’intenzione, abbiamo uno scopo preciso. Parte dell’intensità del disco nasce proprio dal desiderio di catturare la rabbia e il disgusto per quel che sta accadendo. È un disco su Gesù. Abbiamo messo Gesù in copertina. Tutti i titoli delle canzoni hanno un riferimento biblico. E proprio perché ogni titolo rimanda alla Bibbia, il disco è pieno di significati sia metaforici che letterali. Tutto è carico di significati profondi, dalle composizioni alle melodie, dalla scelta dei campionamenti ai titoli dei brani, fino alla copertina. Ogni cosa ha un doppio, triplo, quadruplo significato.
In che modo tutto questo finisce nella musica?
Henson: Presente i cantanti metal che urlano per trasmettere un’emozione? Noi ci siamo chiesti come ottenere lo stesso effetto, come se qualcuno urlasse fino a lacerarsi le corde vocali, ma usando la chitarra. Suonare così forte da spezzare le corde non sarebbe stato utile, quindi abbiamo lavorato tantissimo sul sound design delle frequenze, spingendole al punto da dare la sensazione che i tuoi timpani stiano per esplodere. È un po’ come abbattere la quarta parete. E, ancora una volta, quello su cui vogliamo richiamare l’attenzione è il tema del disco. Ho l’impressione che siamo l’unica band al mondo a parlare di queste cose. Tutti cercano di dire: «La nostra musica è una via di fuga dall’oscurità del mondo». Ma è come alimentare il circo. Noi facciamo esattamente il contrario, diciamo: svegliatevi, cazzo, e guardate quello che sta succedendo. Abbiamo realizzato due video su questo tema, il visualizer di Can You Feel It e quello di With Eyes to See. Vengono fuori dei file e il fine settimana dopo c’è il fottuto Super Bowl e a nessuno frega un cazzo. Ma che cosa stiamo facendo? L’album nasce dall’idea di non avere paura di fermarsi a guardare quel che succede, di lasciarsi attraversare da queste emozioni e, una volta provate, di alzarsi e fare qualcosa.
In pratica, invece di tirare su le persone e aiutarle a uscire dall’oscurità, voi vi ci addentrate ancora di più.
Henson: Sì. Bisogna affrontarlo se si vuole che succeda qualcosa. Altrimenti è solo un’altra distrazione per non dover fare i conti con la realtà, perché tanto non c’è niente che possiamo fare. Beh, certo, se la pensi così non farai niente… Nel visualizer di Can You Feel It ho inserito una scena di Hopper, il personaggio di A Bug’s Life, quando dice alle altre cavallette: «Se le formiche scoprono che sono più numerose di noi, per noi saranno guai seri» o qualcosa del genere, non ricordo le parole esatte. L’idea è quella di tenerci divisi, così da impedirci di fare qualcosa. E una parte del problema è rappresentata dagli artisti che cercano di tranquillizzare il pubblico, quasi di sedarlo, convincendolo semplicemente ad accettare quel che succede. Questo disco vuole fare l’esatto contrario: scuotere chi ascolta. Ancora una volta, quasi abbattere la quarta parete attraverso il mix, l’intensità di certi passaggi, il loro carattere scomodo e spiazzante.
Tutti dicono che la vostra musica non appartiene a un solo genere. Voi come vi definite?
Henson: Non ci definiamo.
LePage: Già, non so mai come rispondere a questa domanda. Ogni volta che prendo un Uber durante le solite chiacchiere il conducente mi chiede: «Che lavoro fai?». Glielo dico e arriva la domanda: «Che genere suonate?». A quel punto rispondo: «Sai, sarebbe più semplice se ti ascoltassi la nostra musica dopo che sono sceso dall’auto». Mi limito a fare la musica che mi piace, che è anche metal, ma non è proprio metal.
Henson: In questo disco c’è del metal. Nei precedenti abbiamo inserito qualche elemento metal. Altri dischi, invece, non ne avevano affatto.
LePage: Forse il modo migliore per definirle il disco è chiedersi che cosa contiene invece di che cos’è.
Però il disco si sposta decisamente di più verso il rock e il metal.
LePage: Forse il fatto di non avere un genere preciso è importante per come ragiono. Se sapessi che apparteniamo a un unico genere, finirei per sentirmi obbligato a scrivere soltanto quel tipo di musica. E quindi può essere positivo non definirsi. Non parlo a nome di tutta la band, ma soltanto per me, so che non ci sono confini proprio perché non esiste un’etichetta precisa. Forse, a livello inconscio, questo mi permette di sentirmi libero di fare quel che cazzo mi pare, non devo trasformare per forza questa cosa in metal se non ne ho voglia. Tim potrebbe scrivere qualcosa di molto delicato e tranquillo e, se in quel periodo ascoltassi i Pantera tutto il giorno e lui mi passasse quel pezzo, potrei renderlo heavy. E quella diventerebbe un’idea da sviluppare oppure no.
Henson: Un altro modo semplice per dirlo è che facciamo quello che ci entusiasma. Qualunque cosa ci entusiasmi, qualunque cosa ci diverta.
LePage: Sì, ecco, è molto più semplice dirla così.
Henson: Non importa di cosa si tratta, basta che ci mandi fuori di testa.
Che ne pensate degli Angine de Poitrine?
Henson: Non sono uno che ama esprimere pubblicamente le proprie opinioni sulla musica, quindi dirò solo che sono contento che esistano. Mi piace che facciano musica strumentale, auguro loro il meglio, felice per loro.
LePage: Li ho visti e sono d’accordo con Tim, penso che siano interessanti. A mio padre piacciono un sacco. È un grande fan, quindi ho ascoltato parecchie loro cose e superano decisamente la prova dell’headbanging. Anche a mio padre piacciono molto i Meshuggah, quel tipo di musica ritmica e pesante, e lì c’è qualcosa di simile.
Il mio brano preferito del vostro album, tra quelli di cui non abbiamo parlato, è J-Bomb.
Henson: È divertente. Le nostre mogli lo odiano.
LePage: Le donne della nostra vita non capiscono perché ci piaccia tanto. Non riescono a farsene una ragione.
Henson: È una questione di atmosfera. Ci senti l’influenza di Lil Wayne e degli Young Money?
Un po’ sì.
Henson: Si rifà a quell’era degli Young Money in cui tutte le basi erano trionfali e coi fiati.
LePage: Oh, sì, l’era dei fiati.
Henson: Ci siamo proprio detti: dai, riprendiamo quel tipo di base degli Young Money.
