ATTENZIONE: questo articolo contiene spoiler sul finale della quarta stagione di Industry.
Una colonna sonora degna di essere salvata su Spotify, needle drop epici e una partitura sontuosa e scintillante distinguono Industry nel panorama musicale televisivo.
Il sound della serie più chiacchierata di HBO (finalmente anche in Italia su HBO Max, ndt) – che ha recentemente ricevuto il via libera per una quinta e ultima stagione – è elettrizzante quanto la serie stessa, e la quarta stagione ha attinto a un mix più eclettico che mai. Nei suoi otto episodi sono passati inni anni Ottanta come Forever Young degli Alphaville, True Faith e Fine Time dei New Order e un remix in stile Italo-disco di Heroes di David Bowie; classici da discoteca come Veridis Quo dei Daft Punk e All On You (Perfume) dei Paris Angels; oltre a brani più recenti dei Turnstile.
Mickey Down e Konrad Kay, ex colleghi nel mondo della finanza diventati co-creatori della serie, si abbandonano alla follia della loro soap ambientata nel mondo bancario internazionale con le scelte musicali, anche se alcune delle loro idee più provocatorie non sono state inserite nel montaggio finale. Mentre il veterano trader Eric Tao, interpretato da Ken Leung, abbandona la finanza per trasferirsi in un verdeggiante sobborgo sulle note della versione di Judy Collins di Both Sides Now di Joni Mitchell nel sesto episodio, i detentori dei diritti hanno negato la richiesta di utilizzare la canzone anche in una scena ambientata in un glory hole all’inizio della stessa puntata.
A differenza di serie simili che affrontano il mondo dei soldi e del potere come Billions e Succession, Industry ha fatto della musica il suo sorprendente cuore pulsante, utilizzando riferimenti culturali precisi per sottolineare temi generali quali l’avidità, la corruzione e l’ambizione sfrenata. L’aristocratico Henry Muck (Kit Harington) che canta tra sé e sé sotto la doccia He Is an Englishman, tratta dall’opera H.M.S. Pinafore di Gilbert e Sullivan – e la canzone che poi ritorna a fare da sottofondo alle scene finali in cui Henry si gode una comoda pena detentiva nella tenuta di famiglia – è una frecciatina mirata al sistema di classi del Paese, quasi impenetrabile. Il tenero CEO Whitney Halberstram (Max Minghella) che canta-sussurra in modo inquietante I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me) di Whitney Houston durante una telefonata sinistra ma intima con Harper suggerisce che il truffatore possa aver preso il suo nome falso da un catalogo di karaoke.
Nelle prime stagioni, il team creativo della serie voleva «far sembrare la sala di contrattazione una pista da ballo», catturando l’essenza dell’ottimismo giovanile e il luccichio delle opportunità, racconta il music supervisor Ollie White a Rolling Stone. Ma mentre Eric, Harper Stern (Myha’la), Yasmin Kara-Hanani (Marisa Abela) e Rishi Ramdani (Sagar Radia) passavano da sterili open space a uffici chic, suite di hotel a cinque stelle, tenute di campagna e persino celle di prigione, i suoni dei loro mondi sono diventati più pesanti e cupi.
Rolling Stone ha intervistato White e il compositore Nathan Micay per discutere del motivo per cui in questa stagione sono comparsi riferimenti a Mad Men e La grande scommessa, di come questi abbiano preannunciato la caduta di Yasmin nella corruzione morale e di quale potrebbe essere il futuro della serie.
Ollie, come sei arrivato a lavorare con i creatori di Industry?
White: Ho conosciuto Mickey e Konrad tramite un amico comune. All’epoca facevo spesso il DJ e ho incontrato Mickey per la prima volta a un afterparty in cui stavo mixando. Abbiamo legato grazie alla musica. Mi ha detto che stava lavorando a una serie tv. Io mi occupavo della supervisione musicale per trailer, spot pubblicitari e alcuni film indipendenti. Da lì abbiamo semplicemente iniziato a creare playlist. [Down e Kay] pensano sempre alla musica. Inseriscono molta musica nella sceneggiatura, il che è fantastico. Aiuta tutti a capire quale sia il tono e l’atmosfera, e i registi possono girare tenendo a mente quella determinata canzone. Quando passiamo al montaggio, la proviamo. Ovviamente non sempre funziona. Ma spesso sì, e questo migliora davvero il risultato perché significa che tutto è stato costruito con quel brano in testa.
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È affascinante sentire che mentre scrivono la sceneggiatura, Mickey e Konrad parlano già della scelta delle canzoni. Ci sono state scene costruite attorno a una canzone specifica?
White: Nell’episodio cinque [della quarta stagione] abbiamo usato Eyes Without a Face di Billy Idol. L’intero episodio era costruito attorno a quella canzone. Quella canzone è praticamente la chiave di tutto: Tender è un falso. Non c’è nulla di vero. È solo una facciata. Era una delle canzoni che probabilmente avevamo nella playlist già dalla prima stagione: il tono, l’atmosfera, le vibrazioni. Sapevamo che non avremmo mai potuto permettercela in quella fase, quindi non ci abbiamo nemmeno pensato, ma era sicuramente nelle nostre playlist. Poi hanno scritto quell’episodio, e [la canzone] era così radicata in esso che era essenziale ottenerla. Era obbligatorio. Hanno anche intitolato l’episodio in suo onore.
Molte canzoni presenti in Mad Men compaiono anche in questa stagione di Industry, come Is That All There Is? di Peggy Lee e Sukiyaki di Kyū Sakamoto. E c’è l’ex attrice di Mad Men Kiernan Shipka che si unisce al cast [nel ruolo di Hayley Clay, escort diventata dipendente di Tender]. Questi riferimenti erano intenzionali?
White: Tutto è voluto. Mickey e Konrad dipingono con un pennello decisamente massimalista. Amano i loro riferimenti e adorano le loro fonti di ispirazione. Nel secondo episodio, Stanley Kubrick e Barry Lyndon hanno avuto un’influenza enorme su di loro. Anche Arancia meccanica ha avuto un’influenza enorme, in particolare per il personaggio di Whitney. E lo stesso vale per American Psycho. Abbiamo utilizzato tutti questi riferimenti. Vogliamo attivamente che il pubblico li noti, e che rifletta su come si è sentito guardando quei film o quelle serie. Vogliamo evocare il fatto che stiamo facendo riferimento diretto alla cultura pop, e farlo attraverso la musica è una modalità fantastica. Mickey l’ha fatto in modo davvero intelligente, [e] c’è anche una traccia presente nella Grande scommessa [Tú y tu mirar… yo y mi canción dei Los Angeles Negros] che noi usiamo nell’ottavo episodio. È stato lui a suggerire di usare la canzone. Gli ho chiesto: “Perché la metti lì? Non capisco”. Non me l’ha detto. Poi ho pensato: “Oh, è usata nella Grande scommessa!”. Era tutto intenzionale. Volevamo fare riferimento a quel punto preciso del film.
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Nathan, cosa volevate trasmettere tu e gli showrunner attraverso la colonna sonora della quarta stagione, in cui gli scenari originari di PierPoint & Co., la banca in cui questi personaggi hanno mosso i primi passi, sono ormai quasi del tutto scomparsi e i protagonisti si trovano ora in uffici di startup, hotel di lusso e tenute di campagna?
Micay: [Volevamo trasmettere] il cambiamento nel senso delle proporzioni. Le ambientazioni principali delle prime due stagioni sono ormai quasi un ricordo. La posta in gioco sembra altrettanto alta a livello individuale, da personaggio a personaggio, ma ora comporta potenziali conseguenze sociali. Una cosa è che Harper non segnali una perdita su un’operazione alla PierPoint, [ora è] qualcosa di completamente diverso per lei avere il proprio nome legato a una scommessa da 500 milioni di sterline. Per non parlare di Whitney, che intreccia ciò che sa essere un’azienda fraudolenta con il governo britannico. Volevamo che la colonna sonora fosse più sinistra, meno intima e in qualche modo ultraterrena. Questi personaggi ora vivono spesso in un mondo che la maggior parte delle persone può solo immaginare, e che a volte è letteralmente una facciata.
Hai composto dei temi diversi per i singoli personaggi. Come descriveresti gli elementi originali di questi suoni associati a Harper, Yasmin ed Eric, e come si sono evoluti nel corso delle quattro stagioni?
Micay: Nella prima stagione, Harper e Yasmin erano due neolaureate entusiaste in quello che sembrava un posto eccitante. La musica era cinetica e ho cercato di rendere ogni loro momento elettrizzante e commovente. Il suono originale di Eric era un basso profondo e rombante, volevo che sembrasse più grande della vita stessa: quando parla la terra trema, tutti lo temono. Questo è continuato nelle due stagioni successive, ma quell’intensità di paura e rispetto ha cominciato a bilanciarsi, almeno tra Harper ed Eric. I temi di Harper sono diventati più pesanti, meno melodici e più incisivi. Quelli di Yasmin sono diventati più cupi e, in un certo senso, più tristi. Le sue scene in questa stagione prevedevano perlopiù un pianoforte molto scordato, quasi stonato. La sua vita non sembra andare per il verso giusto, mai. Ho cercato di catturare questo aspetto con questi grandi accordi di pianoforte distonici. Verso la fine della stagione, quando il grande piano di Harper finalmente dà i suoi frutti, sono riuscito a tornare a quelle sensazioni di gioia dell’inizio della stagione con il synth. La colonna sonora di questa serie torna sempre al synth.
Nel finale è stato rivelato che Yasmin è un misto tra Ghislaine Maxwell e Jeffrey Epstein, con sfumature di suo padre, il che è causa di una nuova frattura tra lei e Harper. Hai usato Mon Dieu di Édith Piaf per gran parte del finale. Perché scegliere un brano romantico per una scena a prima vista così orribile?
White: Abbiamo deciso che, dal punto di vista musicale, questo momento doveva rappresentare questi due personaggi. Ovviamente stanno parlando di cose terribili, ma volevamo ignorare questo aspetto per un attimo e concentrarci solo su ciò che la musica può trasmettere. Queste due giovani donne, nate amiche, si stanno allontanando. Questa è la goccia che fa traboccare il vaso. Yasmin si gira verso Harper, ed è straziante [sentirla dire]: “Questa è l’unica cosa che mi fa sentire potente, il posto a cui appartengo”. Volevamo una canzone che potesse catturare il dolore emotivo di questi due personaggi e ciò che avevano passato. Il brano che abbiamo [inizialmente] provato era completamente diverso: fondamentalmente, dipingeva Yasmin come una cattiva. Ma alla fine abbiamo preso una strada diversa.
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Ci sono stati dei momenti particolarmente memorabili in questa stagione per quanto riguarda la composizione di determinate sequenze?
Micay: La colonna sonora durante la grande telefonata tra Harper e Whitney, in cui lui canta Whitney Houston, poi legge la sua lettera a Henry e infine riceve la grande rivelazione da Ferdinand, credo sia il miglior brano della stagione. È stata un’impresa enorme, con così tante tonalità e momenti cruciali che si susseguono uno dopo l’altro. Oltre a questo, è stato divertentissimo comporre la colonna sonora di Henry che irrompe alla cena sotto l’effetto dell’LSD nell’episodio due. Volevo fare qualcosa con una batteria in stile Ghost in the Shell fin dalla prima stagione, e finalmente me l’hanno permesso.
In Industry ci sono dei brani davvero eccezionali. Il mio preferito è il mashup di Where the Streets Have No Name dei Pet Shop Boys e Can’t Take My Eyes Off You nell’episodio due. Voi avete un brano preferito di questa stagione?
White: Quella [canzone dei Pet Shop Boys] è sicuramente tra le migliori. Se non avessi detto che è la tua preferita, avrei detto che è la mia. Quindi devo sceglierne un’altra: direi Magic Man dei Turnstile, che abbiamo usato quando Henry viene arrestato. Mi è piaciuta molto quella scelta. Adoro quella band. È il mio album preferito dell’anno scorso. Sono stato felicissimi di essere utilizzati nella serie. La canzone funziona benissimo per Henry in quel momento.
Nel finale, sentiamo di nuovo Blue Spring, che, come hai detto, racchiude la sensazione di nuovi inizi e di possibilità. C’è qualcosa che puoi anticipare sulla scelta creativa di concludere con questa nota? È forse un presagio di un futuro felice per Harper?
Micay: Credo di sì. Ma conoscendo Harper, troverà un modo per far sì che quel futuro felice sia breve, e non è una battuta.
