L’ultima missione – Project Hail Mary di Phil Lord e Christopher Miller, già campione d’incassi (con 180 milioni di dollari su scala globale nel weekend d’apertura, è già il miglior esordio al box office dell’anno), è, in sostanza, la storia di un ragazzo che si sveglia da solo nello spazio e deve fare amicizia con una roccia. È anche uno dei film più piacevoli e incoraggianti dell’ultimo decennio, intriso di un ottimismo decisamente anacronistico e di una leggerezza quasi inesauribile, grazie alla sceneggiatura di Drew Goddard (tratta dal romanzo di Andy Weir come un’altra sceneggiatura di Goddard, scritta per l’altrettanto fantastico Sopravvissuto – The Martian del 2015, diretto da Ridley Scott). Nel ruolo principale del riluttante non-astronauta Ryland Grace troviamo Ryan Gosling, la cui interpretazione rappresenta una pietra miliare nella sua carriera, a dimostrazione che è uno dei pochissimi attori/vere star del cinema in grado di reggere da solo un intero blockbuster.
È il primo film da registi per Lord e Miller dal sequel cult del 2014, 22 Jump Street, anche se negli anni successivi sono stati molto impegnati come produttori, sceneggiatori e menti creative in progetti come i LEGO Movie, la saga di Spider-Verse ancora in fase di sviluppo e altro ancora. Sono stati, come è noto, i registi originali di un altro kolossal spaziale, Solo: A Star Wars Story del 2018, finché la presidente della Lucasfilm, Kathleen Kennedy, non li ha rimossi dal progetto a favore di Ron Howard, temendo, a quanto pare, un tono troppo leggero e improvvisato.
Chiacchierando davanti a un hamburger in una camera d’albergo a Midtown Manhattan, poche ore prima della première di Project Hail Mary, Lord e Miller hanno raccontato a Rolling Stone perché Gosling ricorda loro Warren Beatty, come è nata la memorabile scena del karaoke di Sandra Hüller in sole 36 ore, cosa hanno davvero imparato dall’esperienza di Solo, lo stato di Beyond the Spider-Verse, come hanno imparato ad amare di nuovo Star Wars e molto altro.
Voi sapete come accontentare il pubblico e volete farlo. C’è mai un momento in cui vi fermate e pensate: “Questo è troppo orientato al pubblico”?
Miller: Non si può dare loro il gelato a ogni pasto.
Lord: È una domanda interessante perché è una parola che accompagna molto il film: “piacevole per il pubblico”, “blockbuster”, “feelgood movie“. Ma non posso dire che pensiamo mai: “Oh, questa battuta li lascerà a bocca aperta”. Non vogliamo assecondare o ingraziarci il pubblico. Cerchiamo solo di fare un bel film.
Miller: Cerchiamo di coinvolgere il pubblico. Quando vai al cinema vuoi essere coinvolto dall’inizio alla fine. Facciamo vedere i nostri film ad amici, parenti e colleghi registi più e più volte, osservando il pubblico per capire dove si distrae, o quando cambia posizione sulla poltrona. Ma se riusciamo a catturare la loro attenzione, se ridono alle scene che dovrebbero essere divertenti e si commuovono in quelle che dovrebbero essere tristi, allora è un successo.
Lord: E ci sono sicuramente momenti in cui pensiamo: “A loro va bene così. [Ma] anche a noi piace. Ci appartiene. Fa parte della storia. E loro non lo sanno ancora, ma domani continueranno a pensarci”. Non ci sentiamo in obbligo nei confronti del pubblico. Se non ridono a crepapelle, non siamo così spietati. E con questo film abbiamo avuto ragione. Non si sente quando le persone rimangono senza fiato. Non c’era nella sceneggiatura. Non si prova la stessa soddisfazione di una risata, ma si percepisce quando il pubblico è rapito: si sente il suo silenzio. E questo è molto importante. Ma veniamo dal mondo della commedia, quindi ci chiediamo sempre: “Ha funzionato?”. È fondamentale.
James Gunn mi ha detto di recente che stava cercando di frenare il suo istinto di dover sempre strappare una risata, quella che lui definiva la sua tendenza a “fare il tip tap per il pubblico”. Il suo esempio era la lunga sequenza di dialogo tra Lois e Clark in Superman, che prima lo avrebbe spaventato perché era troppo sincera e non stemperava la tensione con una battuta.
Lord: La parte migliore di quel film è il rapporto tra Clark e Lois, e il momento in cui Superman viene lasciato. Quanto era dolce Superman [in quella scena]. Ho mandato un messaggio a James subito dopo essere uscito dal cinema dicendogli: “Questo è il tuo film migliore. Il più sincero”.
Miller: Non abbiamo paura della sincerità, come credo sia abbastanza chiaro da questo film. O in quelli dello Spider-Verse… è questo che li rende speciali. Sono pieni di emozioni. Si pensa che si tratti solo di salti e corse per la città, ma le scene più iconiche sono quelle in cui Gwen e Miles parlano in cima a un palazzo. In [Project Hail Mary], il libro era divertente, avvincente ed emozionante. Ed era proprio questo il nostro obiettivo: suscitare emozioni. Crediamo che se il pubblico riesce a provare sensazioni diverse, a volte anche nella stessa scena, alla fine del film penserà: “Mi sento diverso da com’ero quando sono entrato”.
Lord: Penso che sia giusto che una scena drammatica contenga anche delle risate. La vita è piena di momenti in cui si scherza per stemperare la tensione. Ai funerali, ad esempio, si sentono a volte le risate più fragorose perché la tensione drammatica è altissima. Chiunque parli è predisposto a strappare una risata. Siamo tutti impazienti di ridere.
Miller: C’è una scena in cui [Gosling] si guarda allo specchio e dice: “Mi fermo un attimo qui da te”, e tutto il pubblico esplode in un applauso perché è un momento disperato. È davvero emozionante. Eccolo lì che cerca di essere una brava persona per due secondi. Ed è davvero divertente. È una catarsi.
Lord: E se vedi 2001: Odissea nello spazio con il pubblico – cosa che abbiamo avuto la fortuna di fare – fa ridere a crepapelle, e non ci puoi credere perché oggi questo film è tenuto su un piedistallo, e ti rendi conto invece quanto piaccia al pubblico. Cerchiamo solo di non essere snob, inserendo una risata in una scena drammatica.
Ci sono diversi livelli di celebrità cinematografica, e credo che Gosling ne abbia raggiunto uno nuovo qui. A parte i flashback, ha dovuto fare quello che ha fatto Tom Hanks in Cast Away: reggere da solo lo schermo praticamente per tutta la durata del film con nient’altro che una pietra. E ha superato la sfida alla grande.
Miller: Lo vedi in Half Nelson o Drive e apprezzi le sue incredibili doti di attore drammatico. Poi lo vedi in The Nice Guys o Crazy, Stupid, Love e pensi: “Oh, può fare qualsiasi cosa”. Ma non l’avevi mai visto fare tutte quelle cose nello stesso film. Sapevamo che aveva una grande versatilità, non conoscevamo però la portata di tutte le sue capacità, alcune delle quali mai viste prima. Guardare una persona che ha il controllo completo di ogni aspetto del suo corpo… lo abbiamo tenuto appeso a dei cavi, facendogli fare acrobazie per settimane.
Lord: Ha creato il personaggio con il suo corpo e la sua silhouette. È stato come quando abbiamo lavorato con Channing Tatum, la cui creatività si basa sul modo in cui si muove.
Miller: È un ballerino.
Lord: La cosa divertente del film, e il suo enorme valore, è che si possono ammirare tutti quei movimenti in un’unica performance. La cosa bella della carriera di Ryan è che aggiunge talenti, come LeBron James o altri. Ogni stagione è come dire: “Hai imparato a fare anche questo?”. Vederlo mettere tutto insieme in un film è davvero emozionante.
Miller: Il suo segreto non è che sappia fare tutto in modo naturale, anche se ci riesce. È che è davvero riflessivo, ci tiene molto e mette tanta creatività e attenzione in ogni scena, in ogni momento, in ogni costume. Arriva la mattina con tantissime idee per la scena.
Lord: E noi curiamo i dettagli e lavoriamo bene con persone come lui.
È stato piuttosto interessante che l’idea del karaoke di Sandra Hüller sia venuta a Gosling.
Lord: Sì, era tipo: è una cantante fantastica. Saremmo pazzi a non includere una scena così nel film. Quindi ci siamo detti: “Va bene, come possiamo creare una scena che migliori il film? Che non sia solo una trovata secondaria”. E poi ci è venuta l’idea che fosse il suo modo di rivelarsi. Una sfida che Ryan le lancia.
Miller: Poi abbiamo dovuto chiedere a Sandra: “Canteresti una canzone al karaoke tra 36 ore?”. Che non è una cosa che vorresti fare. Normalmente, ti prendi settimane per esercitarti, hai un insegnante di canto e fai quella scena quando ti senti a tuo agio con il pezzo. Lei ha detto: “Lo farò, ma scelgo io la canzone”. E così ha fatto. Ha scelto quella canzone di Harry Styles, il cui testo era così toccante per quel momento, ed è riuscita a cantarla senza quasi nessuna preparazione. Abbiamo girato prima le reazioni per darle il tempo di scaldarsi. Ma gli altri attori non sapevano cosa sarebbe successo.
Lord: Non glielo abbiamo detto. Quindi sono rimasti davvero sorpresi. Poi siamo tornati indietro e abbiamo modificato la scena, assicurandoci che il personaggio di Ryan la sfidasse a cantare, in modo che fosse l’accettazione di una sfida.
C’è stata una corsa contro il tempo per ottenere i diritti di quella canzone?
Lord: La più divertente di sempre. Eravamo in una piccola cittadina di provincia in Inghilterra e la gente telefonava chiedendo: “Quando si svegliano a Los Angeles?”.
Miller: Era il nostro ultimo giorno in quella location e abbiamo cercato di rimandare le riprese il più possibile per darle il tempo di esercitarsi. Pensavamo: “Non sarà facile ottenere i diritti di quella canzone. Troviamo una canzone più facile [da avere], come alternativa”. Il nostro music supervisor ci ha quasi aiutato a ottenere i diritti [prima di girare], tanto da farci sentire abbastanza sicuri.
Ora quella canzone è il pezzo forte del film.
Miller: Quando Sandra ha iniziato a cantare, è stato subito chiaro che si trattava di qualcosa di speciale.
I registi Phil Lord e Christopher Miller con Ryan Gosling sul set del film. Foto: Jonathan Olley/Amazon Content Services
Si dice che James Cameron abbia detto qualcosa a Leonardo DiCaprio durante il casting di Titanic. Leo voleva dare al personaggio una dipendenza da droghe o una gamba mancante, Cameron gli disse: “Devi imparare a tenere il centro della scena senza tutte queste cose”. La performance di Ryan è stata proprio di quel tipo.
Lord: Abbiamo parlato molto del passato del personaggio con Drew [Goddard], perché ci chiedevamo tutti se fosse davvero necessario approfondire la sua storia. Ma ogni volta che provavamo a inserire qualcosa, non quadrava. Abbiamo cercato di capire quale relazione si fosse lasciato alle spalle sulla Terra. Ma, in definitiva, riempire la Terra di relazioni che dovevano essere risolte alla fine del film non era in linea con il libro. Questa è la storia di qualcuno che si sente solo sulla Terra, fa amicizia nello spazio e ci rimane.
Miller: [Grace] non è una persona che ha una vita ricca sulla Terra e poi va nello spazio e diventa triste e solo, come accade nella maggior parte dei film di fantascienza.
Ryan voleva una backstory per il personaggio?
Miller: Abbiamo comunque cercato di approfondire insieme il personaggio. Abbiamo avuto molte conversazioni su questo argomento. E poi abbiamo girato il film più o meno in ordine cronologico, iniziando dalle scene spaziali. La prima settimana di riprese lo ha visto svegliarsi dal coma e dirigersi verso la cabina di pilotaggio con quella barba da cavernicolo spaziale.
Lord: E tutte le scene ambientate sulla Terra sono state girate alla fine. Quindi c’era la speranza di capire se avessimo bisogno di qualcosa a cui aggrapparci per dare più slancio alla sua interpretazione. Ma quando siamo arrivati alla fine del film, era chiaro che non fosse necessario.
Il personaggio di Rocky è adorabile, ma in teoria sarebbe potuto essere molto difficile da realizzare: è dispettoso, non è espressivo, non è Yoda. Era una sfida.
Miller: Lo guardi in un’immagine statica e pensi: “Cos’è? È solo un mucchio di rocce. Non capisco dove sia il suo fascino”. Ma è il modo in cui si muove, la personalità di James Ortiz (animatore e doppiatore nella versione originale, ndt), tutte queste cose a renderlo così accattivante. Penso che sia parte del divertimento: non ha un aspetto convenzionalmente “carino”, ma si insinua nel cuore degli spettatori. Il pubblico pensa: “Cos’è questa cosa? Non sono sicuro di capirla o di apprezzarla”. E poi, in realtà, ti conquista. Penso che questo sia dovuto a tutto il lavoro che abbiamo fatto per progettarlo insieme a Neil Scanlan e il team del Creature Shop, curando ogni dettaglio. E va dato grande merito anche a James e i “Rocketeers” – come chiamavamo il team degli animatori – e al modo in cui hanno sviluppato i suoi movimenti e le sue peculiarità. Il tutto è stato completato da Arslan [Elver] e dal team di Framestore, che si sono occupati dei suoi movimenti. Alla fine, il risultato è stato un mix 50/50 tra pupazzi e animazione. Ed è davvero impossibile distinguere l’uno dall’altro. È tutto così perfetto. In post-produzione ci confondevamo anche noi, chiedendoci: “È animazione o è il pupazzo originale?”. E a volte nemmeno gli stessi animatori lo capivano.
Quali sono state le vostre prime discussioni a proposito della sfida di rendere questa creatura apparentemente inerte così adorabile come è poi diventata?
Lord: Uno dei fattori determinanti è Ryan e la sua fiducia in colui con cui interagisce nella scena. Quindi il primo pensiero è stato: useremo un pupazzo. Deve esserlo, perché abbiamo bisogno di un partner di scena per Ryan. Non possiamo fingere la loro relazione. Non si può fingere la gioia quando qualcuno dice qualcosa di inaspettato. Continuavamo a pensare che sarebbe stato come girare un film con un attore bambino, in cui quest’ultimo avrebbe fatto cose inaspettate e sorprendenti. È bello guardare qualcuno improvvisare, tanto più se è una star del cinema. Quindi, quando vedi Ryan entusiasta di fronte a Rocky, è una reazione autentica. Perché sta guardando un vero pupazzo che si muove, e il risultato è magico.
Miller: C’è una scena in cui lui sta armeggiando con un metro a nastro e Rocky glielo avvolge intorno. Lui reagisce davvero a quel momento. Si percepisce che sta accadendo sul serio.
Lord: È la magia del cinema. E la cosa meravigliosa nel vederlo sullo schermo è che si ha un personaggio cinico e abbattuto che improvvisamente si sente come un bambino, ottimista in un modo a cui noi adulti raramente abbiamo accesso. È difficile che proviamo meraviglia perché siamo troppo consapevoli. Ma se vai nello spazio e incontri un amico alieno che balla il Watusi, allora puoi provare quella sensazione.
Avete citato Harold e Maude come riferimento.
Miller: Un’amicizia improbabile, molto divertente, ma con un sottofondo di morte.
Lord: Un film divertente sulla morte, sì.
Miller: Anche il nostro è un film che cerca di parlare della condizione umana. Non è il collegamento più ovvio, ma [Harold e Maude] è un film fondamentale per noi sotto molti aspetti.
In che momento è entrato in gioco quel riferimento?
Lord: Abbastanza presto. È uno dei nostri film preferiti, ci pensiamo sempre. Ma avevamo così tanto su cui basarci grazie al libro e alla sceneggiatura che non è che ci siamo messi a fare riferimento a film a caso. Credo che abbiamo parlato di Paper Moon, perché Ryan O’Neal per tutto il film interpreta un personaggio “minore” rispetto a sua figlia. E spesso pensiamo che alcune delle nostre star del cinema preferite, come Tom Cruise, non siano popolari perché vincono sempre: sono popolari perché sono sempre con le spalle al muro. Prendi Rain Man. Interpreta un personaggio molto diverso rispetto ai suoi ruoli iconici. Una delle cose che amo di Ryan è che eleva sempre l’altro personaggio nella scena al di sopra di sé. È come Warren Beatty o Robert Redford. Warren Beatty voleva interpretare solo personaggi non eroici, anche se era l’uomo più sexy del mondo. Ryan si chiede sempre: “Sapete chi voglio elevare questa volta?”. Guarda la scena con Lionel Boyce nei panni della guardia di sicurezza: Ryan lo invita a entrare nella sua storia e lo rende suo pari. E così prende Rocky e lo ammira come se fosse più figo di lui e volesse impressionarlo. Per tutto il tempo cerca di far entrare gli altri nella sua squadra.
Miller: È come se dicesse: “Non vedo l’ora di stare insieme a te”, ed è questa la cosa davvero toccante. Non sembra mai che dica: “Sono una persona che pensa di essere migliore di te”.
Lord: E quando si lamenta del fatto che Rocky sia un coinquilino difficile con cui convivere, gli sta dando tutto questo potere. Sta esprimendo la sua impotenza. Rocky è lì contro la sua volontà e lo comanda a bacchetta.
Il romanzo riesce meglio di, diciamo, Armageddon a spiegare perché un non-astronauta dovrebbe trovarsi nello spazio. Se conoscete il commento audio di Ben Affleck a riguardo…
Miller: Una delle cose più divertenti che abbia mai sentito.
Lord: Adoro quel film. E una delle cose che amo di più…
Miller: È chiaramente ubriaco in quel commento audio.
Lord: E avete sentito il commento audio con tutti gli scienziati? È uno dei rari film di Michael Bay a comparire nella Criterion Collection. Ci sono sei tracce audio. In una di queste, uno scienziato parla di quello che avevano detto a Michael non avrebbero funzionato. E lui risponde: “State zitti”. Perché lui le ha fatte lo stesso.
Quanto eravate preoccupati per l’accuratezza scientifica, al di là di quanto stabilito nel romanzo?
Lord: Eravamo piuttosto tesi. Abbiamo cercato di trattare il romanzo come se fosse un saggio. Come se tutto ciò che vi è contenuto fosse vero e che noi cercassimo di rappresentarlo nel modo più accurato possibile. Perciò avevamo sempre degli specialisti sul set.
Miller: Per fortuna avevamo Andy [Weir] sul set abbastanza spesso, e ogni volta che dicevamo: “Abbiamo bisogno che Ryan scriva delle equazioni su questa lavagna, quali sarebbero?”, lui le scriveva. E poi riportavamo a Ryan quello che [Andy] diceva, così lui poteva scrivere i calcoli matematici basandosi sulle dimensioni e sulla scala della nave del film, che sono diverse da quelle della nave del libro. Ha rifatto tutti i calcoli e ha capito tutto.
Lord: Se ci sono imprecisioni nel modo in cui esegue i calcoli scientifici, sono dovute al montaggio. Il giorno delle riprese, ha fatto tutto lui.
Ci sono stati momenti in cui il feedback di Andy sul set è stato significativo o sorprendente?
Miller: Continuamente. Fare un film è un’impresa diversa dallo scrivere un libro, dove puoi dedicare un capitolo a come fanno tornare indietro la navicella. Noi ci trovavamo in situazioni del tipo: “Dobbiamo trovare un modo più semplice per arrivare da qui a qui”. E il suo metodo consisteva proprio in questo: “Hai un problema da risolvere, io ti propongo cinque soluzioni diverse”. Tutti i suoi libri parlano di persone che risolvono i problemi in modo creativo. Lui diceva: “Ok, potreste fare così, oppure così, oppure così”. E noi rispondevamo: “La terza è perfetta, grazie”.
C’era un peso particolare nella scelta del film da dirigere dopo tutto questo tempo?
Lord: Dopo aver realizzato Spider-Verse e Afterparty, eravamo sicuramente in una fase in cui cercavamo il nostro prossimo lungometraggio da dirigere. Ma questa è stata una sorpresa. “C’è una nuova sceneggiatura, leggetela stasera. Ryan è coinvolto. Ci state o no?”. Ne abbiamo parlato subito con Aditya [Sood], che gestisce la nostra società e che aveva scoperto Andy come scrittore autopubblicato, con cui ha poi realizzato The Martian. Abbiamo coinvolto Drew [Goddard], e lui ci ha detto: “Ragazzi, ecco cosa si prova quando un film prende forma. Questo è quello giusto per voi”. E per noi, leggendo il copione, è stato come dire: “Ha tutto quello che desideriamo. Presenta sfide cinematografiche impossibili. Ci sono un milione di ostacoli da superare, ed è quello che ci entusiasma. E parla di amicizia. Per salvare l’universo, bisogna farsi un amico. E noi sappiamo come raccontare questa storia”. La domanda che ci facciamo, quando scegliamo un progetto, è: “Voglio dedicare due anni di riflessioni a questo film?”
Miller: E anche: “Siamo le persone giuste per raccontare questa storia?”
Lord: “Qualcun altro potrebbe fare un lavoro migliore?”
Miller: In questo caso, la risposta è stata: no. Si trattava di una storia di amicizia divertente ed emozionante, con una posta in gioco altissima e una portata epica, e un personaggio che richiede una mente da animazione per essere realizzato in modo da suscitare l’emozione necessaria. Oltre al fatto che il libro ci ha conquistati. Aveva tutti gli elementi che ci stanno a cuore e che amiamo realizzare.
Il concetto di “mente da animatore” è interessante, perché non si limita a “sappiamo come fare Rocky”. Persino in 21 Jump Street ci sono scene come quella degli effetti della droga – una delle cose più belle mai realizzate da voi, francamente – in cui si percepisce chiaramente l’influenza di quella mente da animatore, appunto.
Miller: C’è un linguaggio visivo. C’è un tono. Una delle cose che abbiamo imparato con i film di Spider-Verse è stata che, grazie alla capacità dei personaggi di camminare sui muri, potevamo muovere e orientare la cinepresa in modi incredibili e il pubblico lo accettava. La prima cosa che ci è venuta in mente è stata: “Nello spazio non c’è un sopra o un sotto, dunque dovremmo essere liberi di non dover tenere la macchina da presa sempre in posizione verticale”. Così ne abbiamo parlato con Greig [Fraser, il direttore della fotografia], e lui era entusiasta di trovare modi interessanti per ruotare la cinepresa. È diventato un tema ricorrente durante le riprese. Quando si cerca di realizzare un film d’animazione, si vuole offrire al pubblico uno spettacolo visivo mai visto prima e un linguaggio inedito. Stavolta ci siamo detti: “Ok, saremo nello spazio. Come possiamo rappresentarlo in un modo che non sembri uguale a tutti gli altri film di fantascienza?”
Lord: Quando si realizza un film d’animazione, si costruisce tutto da zero. Si progetta lo spazio cosmico. Si progetta la luce. Ogni singolo elemento è guidato dalla storia. Abbiamo portato questo concetto nel live-action. L’astronave è stata costruita da ogni Paese della Terra. È come un patchwork. Ogni stanza dovrebbe essere diversa, dovrebbe dare la sensazione di essere una coperta fatta su misura per un neonato. Di solito lo spazio nei film è inospitale, freddo e spaventoso, e noi rappresentiamo anche quel lato. Ma in fin dei conti lo spazio è il luogo da cui proviene il protagonista. È il luogo in cui viviamo. Quindi, man mano che il film procede, aumentiamo la luminosità e i colori dello shuttle, e anche le stelle, in modo che l’atmosfera diventi più calda e accogliente.
Avete avuto un’esperienza particolare con Solo. Quali lezioni o cicatrici vi ha lasciato?
Lord: Abbiamo avuto molti fallimenti clamorosi nella nostra carriera. Questo è solo uno di quelli più noti. La cosa davvero interessante è che in questo film abbiamo condiviso molti capi reparto con quello precedente. Qualunque cosa accada, non possono toglierti ciò che hai imparato. Abbiamo girato quasi tutto il film. Abbiamo imparato tantissimo. Abbiamo lavorato con le persone migliori del mondo. E molti dei nostri compagni di squadra di allora li abbiamo voluti coinvolgere in questo progetto. La sensazione principale era quella di una reunion.
Miller: Una delle prime telefonate che abbiamo fatto dopo aver ingaggiato Drew è stata a Neil [Scanlan] e al team del Creature Shop con cui avevamo lavorato in quel film. Ci siamo detti: “Devono esserci Neil e il suo team. Nessun altro sarà in grado di farlo come loro”. E abbiamo voluto anche lo stesso team del suono, e gli stessi costumisti. Siamo riusciti a riunire molte delle stesse persone. Abbiamo imparato moltissimo girando quel film e abbiamo applicato gran parte di quell’esperienza a questo.
Ma non avete pensato di aver sbagliato qualcosa in Solo? Non avete pensato: “Abbiamo commesso questi errori, questa volta non li ripeteremo”?
Miller: Credo che fosse semplicemente una situazione diversa. Quello è un grande franchise e questo è un film originale, un’opera a sé stante. Volevamo farlo nel miglior modo possibile, in modo da non pensare: “Ok, non faremo mai più una cosa del genere”.
Lord: Affrontiamo tutti questi film allo stesso modo. Come può essere diverso questo? Come può un film conservare l’anima del materiale di partenza e al tempo stesso espanderla? Come possiamo progettare una produzione che dia a tutti lo spazio per contribuire con le proprie mani, in modo che si percepisca l’impronta di ognuno? Questo sembra il lavoro di 200 mani, non di un sistema o di un’azienda, ma piuttosto di una squadra. Abbiamo una performance dal vivo di Rocky davanti a Ryan, così che possano giocare man mano che il film procede. I nostri capi reparto sanno che lavoriamo bene con chi ha idee, anche diverse dalle nostre. Sono i benvenuti a venire e dire: “Ehi, ho pensato a questo”, anche poco prima dell’inizio delle riprese. Cerchiamo di realizzare film che, pur essendo meticolosamente pianificati, si prestino alla spontaneità. Il che è incredibilmente raro a questi livelli.
Ci avete messo un po’ a tornare ad apprezzare Star Wars dopo quell’esperienza?
Miller: È stato Andor, onestamente, a farci tornare l’amore nei confronti di Star Wars. Ho pensato: “Questa è una narrazione davvero ben fatta”. C’era un’atmosfera diversa, ma ci capitava anche di dire: “Riconosciamo quell’oggetto di scena perché l’abbiamo progettato noi”.
Lord: Per me è stata la pandemia. Finalmente ho recuperato l’Episodio VIII di Rian [Johnson, cioè Gli ultimi Jedi], che di per sé è un film che “brucia le pergamene”. È una dichiarazione del tipo “creiamo qualcosa di nuovo” per portare queste eredità nel futuro.
Ryan Gosling e Sandra Hüller in una scena del film. Foto: Jonathan Olley/Amazon Content Services
A che punto siete con Beyond the Spider-Verse?
Miller: Siamo nel bel mezzo del processo.
Lord: Proprio nel mezzo, mentre siamo in giro col tour promozionale di Project Hail Mary.
Miller: Abbiamo allestito i nostri studi di montaggio dell’Ultima missione nell’edificio dove si stava trasferendo la Sony Animation, così da poter passare le mattine a lavorare su Spider-Verse e poi dedicare il resto della giornata al montaggio di questo film. Il giorno dopo aver terminato la color correction e il sonoro di questo film, eravamo già tornati nei nostri uffici, dove resteremo per tutto il prossimo anno.
Quindi la sceneggiatura è in fase di scrittura e animazione?
Miller: È in fase di animazione, ci sono storyboard, ci sono animatic dell’intero film, ma continua a evolversi. Siamo in linea con i tempi previsti. E il film è molto emozionante, il più emozionante dei tre. Stiamo realizzando un sacco di effetti visivi pazzeschi, persino più audaci dei primi due. Il team è composto da star di ogni rispettivo settore. E questa è la prima volta che lavoriamo con una direttrice della fotografia di live-action nell’animazione: Alice Brooks. I due mondi si stanno fondendo.
L’ultima volta che abbiamo parlato, subito dopo l’uscita dell’ultimo Spider-Verse, dicevate che ci sarebbe voluto un po’ di tempo. E la Sony insisteva sul fatto che il prossimo sarebbe uscito tra circa 10 mesi.
Lord: Forse non era necessario annunciare una data di uscita precisa. Sono soldi vostri.
Ma non era fisicamente possibile.
Lord: No, non era fisicamente possibile. Però ha reso il processo di lavorazione davvero interessante.
Avete ancora in programma un film di Archie?
Lord: Sì. Ci sono un’idea e una sceneggiatura davvero fantastiche.
Miller: O meglio, una bozza, ma è quasi pronta per diventare una sceneggiatura.
Lord: È bello quando arriva una buona idea.
Ho rivisto di recente i film di 21 Jump Street e sono fantastici. So che avete mandato in fumo tutte le possibilità di sequel alla fine del secondo film…
Lord: O forse abbiamo lasciato una sorta di mappa!
Ma una parte di voi vorrà pur provarci con un altro film.
Lord: Adoro quei ragazzi. E quei film ci stanno molto a cuore. Chissà, mai dire mai. Ma è difficile far combaciare tutto. Siamo così impegnati. Jonah [Hill] ora sta dirigendo dei film.
Vorrei tanto vivere in un universo in cui l’idea del crossover tra 21 Jump Street e Men in Black si fosse avverata.
Lord: Anch’io. Sarebbe stata un’idea fantastica. Ma ci sarebbe voluta una dose di sfrontatezza forse irrealistica.
